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在当代的时装语境下，一件衣服被时装设计师赋予了远超于传统制衣工艺的意义，而创意在这个全球化的传播世界里显得尤为重要，许多新型时装空间应运而生。而在原本广义的“空间”定义内，能把人的主观思想或是客观肉体置于其中、包裹起来的物质非物质，以及多种物质的集合都属于这个范畴。当承载时装发布的空间与不同品牌的时装基因、当季的概念创意结合时，许多或令人惊艳或意义深远的“相互作用”产生了。
时装基因与一座城
城市是与生活连接得最为紧密的“空间”范畴。当我们生活在一座城市，这座城市中的生活风尚会影响你的穿着模式。巴黎的气质、米兰的古典、伦敦的先锋、纽约的创意，如果回到一个与时装基因紧密联系的城市，并首先抛开离开四大时装周的行程，你还能去到哪座城為时装而巡游？位于欧洲比利时的安特卫普，因一座艺术学院和多位独立设计师而声名鹊起。
其间两家风格化的旗舰店，串起安特卫普短暂而华丽的时装史。从最核心的老城区的一座小百货建筑Het Modepaleis起步，Dries van Noten在独特的19世纪熨斗建筑中已有三十年。沿着Nationalestraat步行15分钟，到达较新的Anne Demeulemeester旗舰店。而这步行15分钟的路程却能让你流连很久，因为ModeMuseum就在这段路途上，而安特卫普皇家艺术学院（Antwerp Royal Academy ofFine Arts）就位于ModeMuseum的楼上。即使只是逛街，也值得去朝圣。不敢想象，六君子华彩篇章在这座欧洲小城里铺开，正因为没有传统的包袱，在这里才可以萌发随心表达自我的时装基因。
有什么能比埃菲尔铁塔更“巴黎”呢？如果从城市标志性建筑物的角度来说，答案显然是否定的。Saint Laurent近年的时装发布秀场就驻扎在铁塔下的Trocadéro广场，让这座城市纪念碑成为时装的终极背景。而Saint Laurent的品牌基因和这个广场上夜幕场景分外契合，从上个世纪60年代开始，时装在法国甚至全球范围内的启示，有很重的一部分即为Yves Saint Laurent所带来的性解放魅力。如今跨越了半个世纪后的品牌时装发布也总是会选择在夜幕笼罩的时候进行，无论如何，“黑”与“性感”是题眼。当烟雾机开始缓缓喷射，秀场发出昏暗的光，不远处闪闪发光的埃菲尔铁塔提示着巴黎都市感的信息。
在令人影响深刻的Saint Laurent Spring2019 Readytowear秀场上，埃菲尔铁塔前筑起了无边泳池，尽头是铁塔，而泳池的另一边，是一排仿真白色棕榈树。看客们在广场上摇晃着身体，看着模特们一个个飘逸着踏水而来。
而在创意总监Anthony Vaccarello上任后，在纽约为Saint Laurent举行了他的第一场男装秀Spring 2019系列。为什么是纽约这座城市？其实来自于品牌另一面的故事——当Yves Saint Laurent的影响力达到顶峰时，他曾推出最畅销的Opium香水，并在1978年纽约曼哈顿南大街的海港边摆放了成千上万的夏威夷兰花——四十年后，Anthony Vaccarello重新创作了这个令人难忘的当代派对版本。
城市边缘数千平米的开阔场地，Anthony Vaccarello这次让他的模特们走在一条有着液态质感微微倒影夜色的黑色大理石伸展台上，该系列中出现的Saint Laurent男人的原型来自John Schlesinger的电影作品《午夜牛仔》（Midnight Cowboy），一位来到纽约的生活放荡的年轻德州性工作者。亮片的牛仔裤和剪裁锐利的皮夹克，一连串特殊妆效的闪闪发光躯干向观众走来。而观众则置于一个高台上，俯瞰河道对面曼哈顿闪闪发光的摩天大楼，与他的新系列相得益彰。
同样是在纽约，在2015年GivenchySpring/Summer 2016系列不仅首次选择在这里发布，将秀场非常出乎意料地置于纽约911世贸大厦遗址附近。在当年由意大利设计师Riccardo Tisci领导并任创意总监的品牌发生了面貌一新的场景改变。一是法国高级定制时装屋与纽约这座城市的新型关系，二是粗野工业感的秀场设计令人惊喜，这形成了被广泛关注的时装甚至是社会性议题。艺术家Marina Abramovi在26号码头创建的露天场景，可以俯瞰辽阔的哈德逊河，纪念性的仪式感在这一空间里得到加强;同时秀场的坐席并没有为了观众的舒适感而设计得柔软舒适，是用最基础的建材木板和金属板搭建而成，而这一切都是回收而来的材料临时构建的。这个临时构建的空间里，连同哈德逊河畔特殊的选址和背景，该系列时装却依然散发着古典韵味，是否宣告着某种追溯与怀念之情呢？
将目光转投向北美洲的另一端，西海岸的粗野辽阔与东海岸的繁华盛景有着鲜明对比，Thom Browne在去年发布Spring/Summer 2021系列时，选择在了截然不同的西海岸城市内进行。受全球疫情的影响，Browne先生为了表达绝对的力量與坚持的信念，将这一季的时空定位到Los Angeles的地标洛杉矶纪念体育场（Los AngelesMemorial Coliseum）举行。这场没有观众的时装秀被转录为视频在巴黎时装周发布。田径运动员Kendall Baisden回忆上一次进入洛杉矶纪念体育馆的圆形大门，是为了南加州大学的一场足球比赛。而这一次她去那里完全是另外一个原因：她与运动员RaceImboden和Steele Johnson一起出演了ThomBrowne的这场时装秀，根据一系列关于“银河”、关于“月球”、关于“运动委员会”的充满想象力的前提设定，完成了一次对未来时空的构想，宏大到甚至预设这一事件必将震惊人类世界。这些白色作品被从以前的设计中重新发掘，并安插在如此特殊的时空背景下，LA的这座体育场凸显出超乎预期的穿越感特性。一座城在不同时装的演绎下，发挥出或怀旧、或当下、或预言的空间属性。
承载个人风格表达的时装空间
时装品牌的个人风格表达，是当下不可忽视的特性。而结合时代背景，大部分时装设计师们又深深受着当代艺术的影响，此时，艺术化的场景能让他们阐述自己的概念。来到创意总监Francesco Risso的崭新Marni世界，他的个人表达也成了近期品牌的特点。源于对生活的热爱，除了时装之外，为品牌引入了家具集市、游乐场等落地于线下的概念。在2017年米兰国际家具展（Salonedel Mobile）之际，Marni将位于米兰VialeUmbria 42的空间变成一个大型游乐场：MARNI PLAYLAND。基于“游乐”的概念，品牌邀请公众，忘记传统预定的规矩，与周围的空间及一系列有趣元素进行互动。
绵延的沙滩，是一系列非日常的物件和家具、雕塑的完美背景，这些雕塑和艺术品都将实用性放在一边，以拥抱其嬉戏的一面，使公众可以敞开胸怀。Marni对Salonedel Mobile的贡献向整座城市开放，成为公众参与不可或缺的一部分，对家具做出自己的诠释;Marni还将自己的贡献，延伸至妇女和儿童的社会公益效应中来。家具都是由一些哥伦比亚妇女熟练地运用当地传统技术制成，并通过自己的工作获得了独立和解放。而该品牌对儿童慈善活动的承诺，则是从销售收益中转化而来，将部分捐赠给OTB集团旗下的Only The Brave Foundation基金会，为众多慈善机构提供支持。
一处表达个性化的空间不仅能像Marni一般具有社会性意义，在某些生活化空间所能创造的带入感，甚至具有启蒙意义，现任Prada联合创意总监和传奇时装设计师RafSimons就曾被这样一场时装发布震撼，他曾感叹：“当我作为一名学生，我一直以为时尚是充满浮华和相应魅力的，但是这场时装秀改变了我的一切。我从我原来的设想中走了出来，我想，这就是我要做的。那场秀就是我为什么成为一名时装设计师的原因 。”
远在1989年10月19日，刚刚于同年6月获得首届ANDAM奖的Martin Margiela，1990年的春夏系列在整个欧洲时装圈万众期待。他用激进的介绍，打破传统的时装秀，并在新的十年，甚至未来的整个时装行业中树立了大胆的新美学，而这，也是源于设计师个人的审美喜好和自己心中对时装的理解。
巴黎郊区的北非居民区，团队选择了这片完全不会被其他品牌所选用的区域。这里甚至没有足够的电力，不得不走入附近街坊，敲门要求从当地人的房屋铺设电缆，以便模特妆发和秀场的基础照明设备运行。这个空间看起来像是在战争中被炸毁了一般。这是一个被照顾当地孩子的协会使用着的遗弃场所。Martin Margiela他认为同时邀请孩子们和附近的居民来是一个好主意，就好像孩子们邀请观众来他们的地盘一样。切开长方形的硬纸板，送给当地的学校，在他们的艺术课上，给出时装表演的主题，邀请函诞生了。
这张时装秀发布的当天，狭窄的街道上到处都是孩子、非洲人、印度人、时装编辑、新闻记者和买手们，当地人也开始聚集在一起看看即将在这里会发生怎样的事。所有人都认为Martin的这场秀将是大型的、非常迷人的作品，而在这里，甚至没有地板，像一个存放垃圾的后院。观众们尚不清楚应该在哪里站或坐，甚至还有座位吗？模特从哪里来？这些疑问使得这场秀的原本“尊贵”的观众们开始大声疾呼，他们疑惑为什么没有得到特别好的待遇。
正式开始时，观众们还不知道谁是这个贫民居住区的居民。于是有人提议让所有孩子们坐下，但他们却沿着伸展台走了，他们尖叫和大笑，是如此兴奋。视野里有很多样化的人种，模特身着的衣服是前两季表达观念的延续，甚至重新使用了与1989年秋冬时装秀中完全相同的Tabi靴子。光线在这些塑料质感的面料上投射出虹彩光泽，但 实则是平庸的干洗袋被改造成的定制外套、夹克、长袍和连衣裙，并用缎带、皮带和金属扣件束紧。Martin Margiela系列中从来没有一个灵感，或者说确切的概念，他会把许多不同的元素糅合在一起，那是一种奇怪的荒凉的仙境。
而此时的孩子们并不会坐着不动，他们为所发生的事情着迷。当模特走过的时候会对他们微笑，而孩子也会微笑。在场的所有人都在笑。在某个时刻，仿佛孩子们也加入模特的展示行列。随着音乐转为大提琴演奏的古典音乐，所有模特和后台工作人员穿着至今仍然标志性的白色工作外套谢幕，模特们掏出口袋中的五彩纸屑撒向空中，孩子们骑到了模特的肩膀上欢呼！那一刻，这个时空凝结了。
Raf Simons在后来的采访中回忆这个场景：“我被我所看到的一切震惊了，开始哭。但我当时瞬间是感到很尴尬的。我当时想：‘天哪，看地面吧，看地面吧，等会儿每个人都会看到你在哭，在一场时装秀上哭是多么愚蠢。然后我环顾四周，一半的观众在哭。”在城市的贫困地区展示设计师的时装，惊讶、惶恐、和悦、狂喜，多种情绪在通过时装承载的二十分钟内传递，传统阶级在这个时空里融化，这是关于唤起创造诗意的升华。
时尚产业中的“构筑物”
已担任法国时装品牌Louis Vuitton创意总监八年之久的Nicolas Ghesquiére是一名建筑狂热爱好者，并长期以来一直关注着是伟大且引人注目的建筑。暨2016年在棕榈泉沙漠中的Bob Hope故居内，以及2017年在Oscar Niemeyer设计的Niterói当代艺术博物馆蜿蜒坡道上走秀之后，被建筑大师贝聿铭的建筑整合到山区的建造方式所吸引，选择植被茂密的京都Shigaraki山脉中隐藏的美秀博物馆作为2018年Resort系列的场地。
Nicolas Ghesquiére喜欢在他的时装发布中使用过引人瞩目的进场路径，来实现他打造的梦幻般的地方。观众们入场即会穿过一条光线昏暗的银色隧道，通往樱花盛开、横跨两个山脊的悬索桥，博物馆即在前方近在咫尺地隐藏着。在博物馆大门勾勒出的圆形中，秀场像是一个开放的白炽空间欣赏山脉全景。而光线从铝百叶窗内散入，照射到米色石灰石墙面上营造出禅宗般的氛围。这次的伸展台始于被埋在山腰之中的博物馆主体内，模特从管状的金属隧道中缓缓出现，秀场延伸到悬索桥上。在这样独特的环境中，精湛的现代建筑与秀美自然风光惊人结合，与Louis Vui?on的审美理想完美呼应。
最近，Louis Vui?on Fall 2021 Menswear是新任男装创意总监Virgil Abloh帶来的第六个系列。在名为“ Ebonics”的主题设定下，创造了“旅行者”和“纯粹主义者”的双重性。不同于Nicolas Ghesquière对当代建筑遗产的痴迷，Virgil Abloh用类似于现代主义建筑大师Mies van der Rohe的手法造出了一片景：经典的包豪斯皮革椅、上世纪70年代绿色的大理石墙面、网格半透玻璃吊顶等等，仿佛是在经过一年疫情的创伤，对环游全球建筑的怀念与致敬。模特们身着的该系列成衣在布料上将品牌老花图案与格子呢搭配悬垂在一起，皮革上则是呈现来自越野摩托车服上的对角绿色白底印花。VirgilAbloh用自己解构叙事的方法，创造了一个能表达品牌旅行精神的室内空间。
回到“旅游者与纯粹主义者”的口号，他在2018年进入Louis Vuitton时写下，于本季重新回到了他的时装系列中。“当我做事情时，这也是我的组织原则。旅行者是一个渴望学习的人，他们来巴黎时会想参观埃菲尔铁塔。而纯粹主义者则是对一切都一无所知的人。”Virgil Abloh既扮演局内人，又扮演局外人，当他Mies van der Rohe及其他现代主义建筑师的一切元素浓缩重组在这个秀场中的时候，他某种程度上挑战了所谓文化艺术思想上的“权威”，他是有能力带领这个时代的年轻人进入高级时装禁区的人。当街头穿着与现代主义建筑结合，这个时代还有别的设计师敢于这般想象吗？
而意大利时装品牌Prada与建筑学术领域极为先锋的建筑理论家、普利兹克奖得主建筑师Rem Koolhaas带领的AMO的长期合作秀场设计达二十年。AMO是一家将建筑思想应用于其他领域，研究与设计并行的工作室。
在最近一次合作中，Rem Koolhaas和AMO为Prada 2021年秋冬男装时装秀设计了背景，主题为“可能的感觉”，由于全球疫情的影响，这次发布依然由视频于线上呈现。新的创意总监组合Miuccia Prada和RafSimons带来的该系列以几何图案的提花针织物为底色，皮革、尼龙、马斯克花呢和经典的细条纹羊毛西服相结合，呼应了感官刺激的概念，既有传统印象，也有意想不到的色彩加入。在这次的合作中，秀场设计则基于新系列的丰富性，探索了时装空间对于触感的需求与所追求的乐趣，从而产生了一系列的表面纹理和饰面的排列组合。模特从一个房间进入另一个的过程中，像是从室内走到了室外，却又似走入了另一个室内空间，明亮的色彩侵袭眼球，遍布整个房间的石材、树脂、灰泥和人造皮草，每道门、每面墙、每方地面的设计都旨在激发人们的感官。这样的“内外兼具”的环境中，坚硬和柔软、温暖和寒冷同步呈现，且两个对立面都不具有绝对的表达自由，随着模特的行走进程，一切动态平衡着。
Rem Koolhaas在一次采访中曾说：“我认为‘时髦在今天是一个贬义词。很少有人愿意跟随或认真对待趋势。但与此同时，我们生活在一个瞬息万变的混乱文明中，所看到的趋势并不是那么恒定，而是在改变不同的紧迫感和不同的微型意识形态之间的交替。”回顾Prada与Rem Koolhaas的合作，每年，这对建筑师与时装品牌的顶尖组合都会在其米兰总部的无窗混凝土大厅内举行四场时装秀。这个工业空间已然成为AMO制作令人眼花缭乱且身临其境的时装空间的空白画布。这些装置不仅仅是两个全球文化体系巨头之间长期合作的核心，更是在文化与商业之间建立新关系的试验场。这二十年的耕耘，让Prada的秀场甚至成为欧洲最成功、最经久不衰的大型文化项目之一。而在这个时代，数字媒体催生出的后现代化的懒惰，AMO创造的空间继续为我们今天的生活提出了罕见而有力的主张表达。
从历史上看，空间即建筑体系的创作，主要取材于艺术世界，而时装基于人类当代生活的产物，与空间一定有着不可分割的联系。而在流行文化界定“空间”的当下，时装的起源、孕育、发展成为各种各样“时装空间”的更重要的依据。当空间变得“轻”了，时装是否在他们的相互作用中，变得更“重”？当我们从一座城市、一座博物馆、一处地景，甚至一扇门一扇窗中，得到思考与畅想，无论你是否愿意，找到对待时装趋势的空间策略仍然极为重要。身着时装，画下超越时代的痕迹。
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